Versión No 33 : Música, sexualidad y género

Introducción

Una convocatoria basada en el cruce “música, género, sexualidad” podría ser tan específica que parecería difícil encontrar productores académicos capaces de dar cuenta de forma teórica y empíricamente actualizada de tal convergencia. El material recibido desmiente esa sospecha y esto sucede porque en dicha intersección se encuentran el dinamismo de la crítica de género, el ascenso de los estudios sociales de la música y las transformaciones contemporáneas de las dinámicas de sexo y de género. Reseñamos brevemente los artículos y damos cuenta luego del campo de discusiones con que se relacionan, para entender no sólo su pertinencia y su especificidad sino también lo crucial del punto de encuentro género, sexualidad, música para la comprensión de las cuestiones de género en el marco del consumo cultural contemporáneo. En ese plano, consideramos en una sucesión las cuestiones del consumo cultural, la especificidad de la crítica de género en ese campo y algunos desarrollos clave en los estudios sociales de la música que se relacionan con la problemática planteada en este volumen.

Desde los inicios del rock, a mediados de la década de los 50, la participación de mujeres ha sido latente. Sí, las rockeras han estado presentes. Sin embargo, los procesos de su reconocimiento en este fenómeno cultural no han sido sencillos, pues casi siempre cuando las mujeres son parte de una banda de rock –ya sea cantando o tocando un instrumento– se enfrentan a representaciones sociales que son simbolizadas, en gran medida, a partir de su condición de género. El rock es una expresión musical y artística contracultural, pero también es un fenómeno en el que principalmente los y las jóvenes han encontrado una forma de expresarse y de producir(se) mediante prácticas y discursos donde las relaciones de poder y de género están presentes. La expresión “No soy una muchacha normal” tiene como objetivo visibilizar la manera en que las mujeres son representadas en el rock mediante metáforas vinculadas con la normalidad y normatividad que corresponden a “expectativas culturales” que hacen del rock una “tecnología de género”; asimismo, muestra el proceso de autorrepresentación que las mujeres en el rock construyen mediante negociaciones y estrategias, construcción de alter-egos y formas de “subordinación adaptada”, para ser reconocidas como mujeres y como “músicas” en el contexto fronterizo tijuanense.

Since the beginning of rock music in The Fifties, the participation of women has been latent. However, the processes of their recognition in this cultural phenomenon have not been easy. As a part of a rock band –singing or playing any instrument– women have to contend with certain social representations that are symbolized by their gender condition. Rock is a musical and artistic counter culture manifestation, but also it is a phenomenon where young women and young men have found to express themselves and to produce and reproduce them through practices and discourses where power and gender relations are present. In this context: “I am not a normal chic” has the objective of visualize the way that rock women are represented through many metaphors that are linking to the normalization and normativity that correspond to “cultural expectations”. All this has construct rock as a gender technology, also, it shows the auto representation process that rock women build up through negotiations and strategies, alter-ego constructions and forms of “adapted subordination” in order to be recognized as women and musicians in Tijuana´s border context.

El presente trabajo propone un abordaje acerca de las transformaciones y diversificaciones suscitadas —en el último tiempo— en torno a la música y al baile del tango. En este marco, nos interesa explorar, particularmente, los modos en que la mujeres y las corporalidades femeninas han ido adquiriendo nuevos, a la vez que conflictivos, lugares en la delimitación de los roles estipulados dentro de este mundo artístico. Partiendo del supuesto de que el lenguaje visual se ha vuelto uno de los principales vehículos por donde circulan los imaginarios individuales y colectivos, nos proponemos analizar estas transformaciones mediante un conjunto de representaciones visuales que disputan, confrontan y negocian los sentidos de la feminidad. Así, atravesaremos los dispositivos visuales de algunas de estas nuevas manifestaciones –tango electrónico y tango queer– en pos de ensayar un conjunto de argumentaciones respecto de los interrogantes planteados.

This paper proposes an approach on the transformations and diversifications raised in recent times about the tango music and tango dancing. In this framework, we are interested in exploring, particularly the ways in which women and female corporalities have gained new-and at the same time, conflicting-places in the delineation of the roles stipulated in this artistic world. Assuming that the visual language has become one of the main vehicles through which circulate individual and collective imaginary, we propose to analyze these transformations by a set of visuals that dispute, confront and negotiate, the senses of femininity. In this way, we will cross the visual devices of two of these new forms, electronic tango and tango “queer”, after testing a set of arguments regarding the questions raised.

Durante las dos primeras décadas del siglo XX el tango atravesó un proceso de normativización del baile. Mediante la pautación coreográfica se establecieron de manera precisa los comportamientos corporales según los géneros, se delimitaron dos roles muy diferentes entre sí: uno para los varones y otro para las mujeres; el rol asignado a las segundas respondía a nociones tales como debilidad y pasividad del cuerpo femenino. Durante la última década, 2000-2010, estas asignaciones fijas se han ido modificando. Entre otras, la práctica lesbo-feminista de tango queer propuso desexualizar los roles de la danza. No obstante, varias de sus practicantes prefieren bailar en el rol tradicional. ¿Cómo se puede interpretar esta elección? ¿Es posible comprenderla solamente como marca de disciplinamiento corporal? ¿En qué reside el placer del baile en un contexto asociado al activismo de género? ¿Qué dirían los postulados feministas acerca de este placer? El presente trabajo analiza estas experiencias en relación con las representaciones contemporáneas sobre la emancipación femenina.

During the two first decades of the 21st Century, tango has been under a process of dance regularization. By means of the choreographic rules, body behavior has been set forth in accordance with each sex. Therefore, two very different roles were established, one for men and one for women. The role assigned to women was related to the weakness and passiveness of the feminine body. During the last decade, from 2000 to 2010, these fixed roles have changed. The lesbian feminist practice of queer tango was meant to desexualize dance roles. However, some dancers prefer to dance in their traditional role. How can this choice be interpreted? Is it possible to understand it just as a sign of body discipline? Where is the pleasure of dancing within a context related to gender activism? What would be the considerations of this pleasure under feminist premises? This work renders an analysis on these experiences with regard to contemporary manifestations on women emancipation.

Este artículo describe los usos cotidianos que dan a ciertas músicas jóvenes mujeres argentinas de los sectores populares contemporáneos, con el fin de comprender cómo en el uso de ciertos materiales musicales convergen prácticas, narrativas e identificaciones que habilitan un modo particular de “ser mujer joven” en los sectores populares argentinos: ser “rollinga” o “stone”. Así, el artículo apunta a recomponer los procesos de conformación de identificaciones y estructuración de sensibilidades, a partir de los cuales estas jóvenes utilizan a la música como una “tecnología del yo” que habilita “narrativas de valor” y “estrategias de neutralización del estigma”, que les permiten positivizar su condición de género de modos que reclaman comprensión más allá del mundo del “aguante” masculino.

This article describes the everyday uses facing music young Argentine women in the contemporary popular sectors, in order to understand how the use of certain musical materials converge practices, narratives and identifications that enable a particular way of "being a young woman" in the Argentine popular sectors: be "rollinga” or "stone". Thus, the article aims to reconstruct the processes of formation of identifications and structuring of sensibilities, from which these young people use the music as a "technology of the self" that enables "narratives of value" and "strategies for neutralization of stigma", which allow them to make their gender in ways condition they claim understanding beyond the world of the masculine “aguante”.

Este texto es un resumen del trabajo de investigación que hice en 2008 para obtener el diploma de estudios avanzados dentro del programa de doctorado en la Universidad de Granada, España. Con el título “Construcción de género en la música electrónica: una aproximación a colectivos de mujeres DJ en España desde el activismo queer” analizaba una realidad musical que se suscribe en un contexto de ocio nocturno underground, alejado de lo que se entiende por mainstream o consumo comercial.

La base metodológica de este trabajo supone una visión holística e interdisciplinar desde la perspectiva de género, en relación a los estudios culturales, la sociología de la música y la teoría queer, que plantea la construcción de la identidad de género como producto cultural. El contexto de la música urbana electrónica (y por extensión los eventos donde esta música tiene lugar) supone un agente inmediato y efectivo en esta construcción identitaria, y por lo mismo se convierte en un fenómeno sociocultural susceptible de análisis para entender este proceso.

El objetivo de este trabajo de investigación es analizar y exponer, desde esta metodología, la existencia de un ocio paralelo y minoritario donde tienen lugar las construcciones de género en torno a colectivos de mujeres DJ en España.

This article is a summary of research work carried out in 2008 within the program of the University of Granada (Spain) in order to obtain the higher education diploma. The research paper entitled “Gender construction in electronic music: an approach to women’s DJ collectives in Spain from queer activism” that attempted to analyze a musical reality which is normally associated with underground nightlife and has little to do with mainstream or commercial music.

The methodology of this research work means a holistic and interdisciplinary vision regarding gender, related to cultural studies, the sociology of music and the queer theory, that presents the construction of the identity of gender as a cultural product. So the context of urban electronic music, and by extension the events where this music is played, means an immediate and effective agent in this construction of identity; therefore it becomes a socio-cultural phenomenon that must be analysed in order to understand this process.

The aim of this research is to analyze and reflect, from the aforesaid methodology, the existence of a parallel and minority entertainment where the construction of gender on Spanish women’s DJ collectives occurs.

El artículo presenta parte de los resultados de la investigación “Formas de participación política que constituyen ciudadanías” (Garcés y Acosta, 2010), que explora los ámbitos y escenarios de acciones políticas juveniles de grupos disidentes e instituidos en la ciudad de Medellín. En esta ocasión, se presentan las expresiones de resistencia estética juvenil en Medellín, a través de los procesos organizativos asociados al hip hop, para avanzar en acciones de reconocimiento y la visibilización de otras expresiones juveniles masculinas y femeninas –diversas y alternativas–, propias de jóvenes de los suburbios en dicha ciudad. Nos interesa dar cuenta de una tendencia del hip hop que le apuesta a propuestas organizativas desde el arte y, en especial, desde la conformación de colectivos juveniles en la modalidad de escuelas populares con la consigna de resistencia estética.

The article presents part of the results of the research: “Ways of political participation that make the citizenship” (Garcés and Acosta, 2010), which explores the fields and stages of political juvenile actions of dissidents groups created in the city of Medellin. In this occasion, the political juvenile aesthetic expressions of resistance in Medellin are presented through the organizational processes linked to the hip hop. This is presented aiming to advance in actions of recognition and visualization of other masculine and feminine juvenile expressions –diverse and alternative– common of local youngsters in the suburbs of Medellin. We are interested in this article, to give account of a tendency of hip hop that point towards organizational proposals from the art and specially from the formation of juvenile collectives inside the forms of common schools with the slogan of aesthetic resistance.

El artículo describe las milongas –eventos centrados en el baile de tangos, milongas y valses– mayoritariamente habitadas por población heterosexual que se desarrollan en el centro de la ciudad de Buenos Aires como espacios en que convive la exhibición generalizada de contactos y movimientos aparentemente eróticos con el establecimiento, cuidadosamente oculto a la vista pública, de relaciones que se extienden por fuera de sus límites e incluyen relaciones sexuales cogenitales con compañeros y compañeras seleccionadas. Estos vínculos, desarrollados simultánea y sucesivamente con distintas personas, hacen de ellas contextos en que el imperativo monogámico se ve desafiado. El secreto parece evitar los sentimientos de celos que han aparecido en la literatura anglófona sobre sexualidades como obstáculos para el desarrollo de no-monogamias consensuales y reducir las tensiones y conflictos que tales sentimientos podrían provocar. Se sugiere que el énfasis que se observa en esa literatura en las relaciones no-monogámicas, caracterizadas por la franqueza, podría devenir de la focalización de su atención en movimientos que buscan la institucionalización de formas de organización de la intimidad alternativas a la monogamia, y se pregunta si el erotismo no orientado a fines, encontrado en los lugares de baile, no es la consecuencia de métodos que privilegian las prácticas observables.

The article describes erotic and sexual practices characterizing milongas –social events where tango, milongas and valses are danced– that take place in downtown Buenos Aires. In these spaces the generalized exhibition of physical contact and visibly erotic movements coexist with the development of dyadic associations involving co-genital relationships with selected partners that are carefully concealed from public visibility and transcend the dancing space. As these bonds may develop simultaneously or successively with different partners, milongas constitute contexts where monogamy is defied. Utmost secrecy seems to prevent the jealousy that the Anglophone literature presents as an obstacle for the development of consensual non-monogamy reducing the tensions and conflicts that such feelings may evoke. The article suggests that the emphasis on openness and honesty found in this literature to characterize non-monogamous relationships may be due to its focus on social movements striving for the institutionalization of non-monogamous ways of organizing intimacy. It also raises the question as to whether non-goal oriented eroticism that researchers use to describe dancing spaces results from their use of methodological strategies that privilege interviews and observable practices.

En este artículo me propongo reflexionar sobre la relación entre la estética del cuerpo, el género y la sexualidad en la cultura brasileña, teniendo como telón de fondo el material recogido en mi etnografía de la creación artística en el funk carioca –movimiento de la música electrónica originario de Río de Janeiro, Brasil–. Dos problemas centrales nos ocuparán. Uno de ellos se refiere a las formas y los contextos en los cuales diferenciar órganos sexuales masculinos y femeninos y designar su nombre se relacionan con la comprensión de que ser hombre o ser mujer está directamente vinculado con los poderes del cuerpo biológico. El otro de los problemas concierne precisamente a las elaboraciones estéticas y acciones de embellecimiento que se realizan en el cuerpo, dirigidas a una definición de persona de sexo masculino o femenino.

En el funk, considerado tradicionalmente misógino y sexista, observamos, contra-intuitivamente, que es la mujer quien aparece como independiente y autónoma en relación al hombre. Por otro lado, la sociabilidad masculina revela, a través de la recurrente presentación de lo femenino que hace el hombre en su habla cotidiana, la fuerte dependencia que tiene éste en la producción de un yo masculino. Intento producir así una discusión en torno a la materialidad de los cuerpos –en el sentido propuesto por Butler– y la materialidad de los objetos –en el sentido propuesto por Miller– notando cómo las asimetrías en las relaciones de género no siempre se acompañan de pérdida de poder y falta de agencia.

In this paper I explore the nexus between body aesthetics, gender and sexuality in Brazilian culture. Relying on ethnographical data resulting from the analysis of the funk carioca –an electronic musical movement native of Rio de Janeiro, Brazil– and their creative subjects, we will deal with two main problems.
One concerns differential contexts and styles through which both men and women nominate their sexual organs and the way this nomination relates to their own idea of what a man or a woman is. The other concerns embellishment procedures applied to the body as a way to clearly define femininity and masculinity in this ambiance.

Funk is considered traditionally as a producer of misogynous narratives through its lyrics. Yet ethnography shows woman, more than man, as the autonomous and independent element. My intention is to discuss the materiality of the body –in the way Butler presents it– in relation with the materiality of the objects –as presented by Miller– in order to assert that asymmetries in gender relations do not necessarily imply a lack of empowerment or absence of agency.

¿QUÉ HACE LA MÚSICA A LAS PERSONAS? ¿Y qué hacen las personas con la música? ¿Qué tipo de emociones y prácticas se habilitan en esta relación? ¿Qué clase de filias se establecen? ¿Pueden estas configuraciones, incluso la pasión misma, ser explicadas “sociológicamente”? Claudio Benzecry, sociólogo argentino radicado en Estados Unidos y portador de un apellido reconocido en el mundo teatral y operístico de su país de origen, se monta sobre estos interrogantes para construir una etnografía en el particular mundo de la ópera de los pisos altos del Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires. En una obra de lectura amena y a través de una prosa que, sin perder rigurosidad sociológica, logra transmitir el alcance del amor que los sujetos analizados experimentan con la ópera, Benzecry realiza una crítica consistente a la sociología distribucional de la distinción y a la sociología del gusto, emplazándose en una sociología del amor y la pasión, entendidos en sí mismos y no como traducciones de algo que sucede en otra parte.

EL LIBRO RESEÑADO COMPILA ARTÍCULOS de ocho investigadores latinoamericanos que durante diciembre de 2007 intercambiaron puntos de vista en el foro digital de la IASPM-AL (rama latinoamericana de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular). El resultado es un libro que, atravesado por la pregunta acerca de los juicios de valor, los criterios de calidad y el lugar de las preferencias del investigador en la investigación sobre música popular, hace un recorrido inquieto por diferentes perspectivas teóricas: la sociología de la cultura, los estudios culturales británicos y latinoamericanos, la teoría crítica y la sociología del conocimiento, aportando un profuso estado de la cuestión desde la producción académica latinoamericana.

EN LA ACTUALIDAD, para las ciencias sociales no resulta difícil aceptar el hecho de que la música posea profundas implicancias y efectos sociales. En cambio, ha sido menos frecuente especificar con la mayor amplitud posible cuál es el plano analítico de esa eficacia. El libro de DeNora muestra hasta qué punto la situación contemporánea exige pensar la música como un aspecto constitutivo de la agencia y hasta qué punto la superación del esquema recepción/emisión exige que el análisis interiorice la música como parte del proceso social, más que como variable de una secuencia causal, casi siempre reductible a “la comprensión de la obra”.

Bajo el acompañamiento de las superindustrias audiovisuales, la presencia popular de la publicidad, la nueva televisión basada en el hiperentretenimiento, la masificación del cine, la globalización de internet con su dinámica de redcast, vidcast, livecast, y la liberación de grilletes como modelo de consumo técnico a nivel social, se pueden ubicar las condiciones sobre las que se ha reconstituido y redefinido el fenómeno de lo musical. La música es una de las actividades más singulares de la época contemporánea, su dimensión cruza muchos espacios, condiciones y tiempos, su importancia en la nueva dinámica cultural no recae únicamente en entenderla a partir de un modelo de alta cultura, bordeado de signos de calidad y sublimidad, precisamente, uno de los cambios consiste en su apertura hacia un modelo de cultura popular, introduciéndose a todos los niveles, diferenciando su consumo, entregándose a una constante mixtura de géneros, sonidos y lenguajes.